La couverture de l’album nous présente les personnages principaux, dans une composition très contrastée. Comme souvent, avant de la réaliser, Grzegorz Rosinski a fait plusieurs esquisses et recherches afin de trouver l’image qui lui semblait la plus intéressante, la mieux adaptée à l’album. En voici quelques-unes.

Têtes d’affiches

Le dessinateur a vite compris que les navires volants feraient partie des stars du premier album du cycle de Qâ. Magnifiques et spectaculaires, ces bateaux sont conçus avec tant de soin qu’on accepte leur existence et qu’on fait d’eux nos compagnons de lecture avec délice, sans s’inquiéter de savoir s’ils pourraient réellement traverser un océan. Ce premier dessin aurait d’ailleurs fait de l’un des bateaux d’Ogotaï l’élément majeur de la couverture.

Sur l’image, le vaisseau apparaît dans une trouée de la végétation. Est-ce qu’il poursuit les héros depuis longtemps? Est-ce qu’il vient de faire son apparition ? Est-ce qu’il les a repérés, petits points mouvants dans la jungle ? On ne sait pas.

Dans cette esquisse, les personnages sont déjà placés avec soin. La composition met en avant le héros, Thorgal, armé jusqu’aux dents et manifestement en mode actif. Il tient par la main une jolie blonde. C’est Aaricia ? Où sont tes beaux cheveux, ma belle ? La jeune femme regarde avec appréhension l’étrange vaisseau volant, dont la voile rouge ne manque pas d’attirer l’attention. Le regard d’Aaricia ramène celui du lecteur sur le vaisseau, qui est logiquement le point focal de la scène. C’est alors, et alors seulement, qu’on remarque que le couple n’est pas seul. Il est accompagné par une femme qui, malgré son abondante chevelure, ressemble étonnamment à Kriss de Valnor ! Et par un jeune homme blond, que l’on aurait sûrement pu mieux reconnaître une fois que le pinceau de Rosinski aurait fait son étonnant travail.

Un très beau dessin, qui aurait pu se métamorphoser en une magnifique couverture.

Voilà maintenant un second travail préparatoire, tout aussi intéressant. Le concept est globalement le même. Les vaisseaux volants sont au cœur du projet. Thorgal en armes, Aaricia aux cheveux courts, tournée vers le danger. A la place de son œil, c’est son bras qui guide le lecteur vers le danger. Le logo d’Ogotaï est lointain mais bien visible. Thorgal et Aaricia sont manifestement à bord d’un des vaisseaux, on le sait grâce aux ballons qui auraient été partiellement recouverts par le logo et le titre de l’album, si le projet était allé au bout.

Cette couverture, à la fois pleine de lignes — les cordages, le garde-corps — et de courbes — les ballons, les nuages —, faisait le choix radical mais séduisant de nous proposer de dos deux personnages qu’on peut reconnaître ou pas, Kriss et Tjall. Les deux héros sont ainsi à la fois très présents, et quelque peu masqués. Mystère…

Finalement, sur la couverture définitive, on retrouve tout cela mais traité assez différemment. Thorgal est toujours là, toujours bien équipé en armes diverses, mais cette fois-ci Aaricia semble aussi vouloir jouer du couteau. La jeune femme pointe toujours le vaisseau du regard, comme dans la première esquisse. Tjall s’invite dans le trio, en retrait comme d’habitude. Le navire d’Ogotaï affiche fièrement son emblème, même s’il se fait finalement plutôt discret sur la couverture, l’essentiel de ses ballons étant occultés par le logo et le titre de l’album.

Mais la différence principale porte évidemment sur Kriss de Valnor. Il n’est plus question de la placer derrière Thorgal, ou de la mettre de dos. Kriss dévore l’image. L’ensemble de la scène est construite autour d’elle. Sombre et flippante, elle dévisage le lecteur, comme si elle le défiait. Tout aussi sombres, les trois autres personnages se fondent dans la chevelure de l’aventurière, un peu comme s’ils en émergeaient. Oui, c’est elle qui mène le jeu.

Jouant sur la lumière, le peintre découpe son image en deux zones fortement contrastées. L’arrière-plan est très lumineux, à la fois très détaillé et nébuleux. Une ligne oblique dessinée par la chevelure de Kriss sépare l’image en deux. La partie basse, très sombre par rapport au reste, demande à l’œil un petit effort d’adaptation et de lecture pour en discerner les détails. Une composition étonnante, mais mûrement réfléchie !

En pleine lumière

Dès les premières étapes du dessin et de l’encrage, le dessinateur a une idée de ce que sera l’ambiance de la scène. Les sources de lumière et les ombres qu’elles projettent font bien sûr partie des paramètres à bien définir. Ça tombe bien, notre dessinateur, il est hyper fort pour faire ça. Prenons comme exemple la fameuse scène culte du début de l’album, quand les Aegirsson rentrent à la maison, écœurés par les événements étranges qui leur tombent encore dessus, et que la jolie Kriss vient leur rappeler qu’on ne devient des héros que grâce à de bons méchants. Voici l’une des planches en question, profitez-en pour la relire, les dialogues de Jean Van Hamme valent le coup. Kriss fait son show, c’est sa page, c’est son moment !

Si on retire les couleurs, on retrouve le travail initial de Rosinski. L’encrage est fabuleux, avec des choix qui montrent que l’auteur savait bien comment il allait mettre tout cela en couleurs. Ainsi les personnages au premier plan reçoivent un encrage épais, bien noir, mais placé de façon particulière. Quand on regarde par exemple Kriss dans la case centrale, on voit que la gauche et la droite de son corps sont éclairées, alors qu’une bande centrale reste noire. En fait, l’auteur sait très bien où se trouvent les sources de lumière. Elles sont définies dans les deux cases de gauche : une lampe à huile sur la table, et un feu dans la cheminée.

Du coup, les trois personnages autour de la table dans la première case sont éclairés depuis une source proche d’eux, placée entre eux. Le dos de Thorgal est pratiquement noir. Mais Kriss, installée près du feu, est en pleine lumière. La seconde case en haut inverse la position de la caméra, et les deux personnages se retrouvent dans le noir, mais avec une source de lumière qui rend l’arrière-plan très lumineux — tout blanc, en fait.

L’arrière-plan, justement, devrait logiquement être plus sombre que les personnages, puisque les murs, poutres et tentures sont plus éloignés des sources de lumière ! Mince, le dessinateur s’est trompé ? Attends, attends, il y a encore l’étape de la mise en couleurs. On en a besoin aussi pour les deux dernières cases, dans lesquelles les ombres portées donnent quand même pas mal d’indices.

Et voici la dernière étape, celle qui livre les derniers secrets. Les deux sources de lumière sont cette fois bien délimitées et, surtout, les fonds sont coloriés avec un violet bleuté grisâtre qui transforme des arrière-plans lumineux en zones sombres. Quel travail de dessin, d’ailleurs, pour que ces murs soient si détaillés, si vivants, si beaux, alors que la mise en couleur les met dans l’ombre. Ce soin dans les détails est dans l’ADN de la série Thorgal. Il contribue à cette réussite graphique.

On comprend mieux le découpage subi par Kriss dans la case centrale. La source de lumière la plus proche, sur la table, éclaire son flanc avec une lumière jaune très forte. Son dos est aussi éclairé, mais par des teintes plus rougeâtres puisque la cheminée est plus éloignée. Les deux dernières cases, en bas, ont également une mise en couleur très étudiée. Dans la première, le dos de Thorgal est rougi par la cheminée, mais ce sont surtout les trois personnages autour de la table qui sont peints avec soin, Kriss apparaissant ici comme un fantôme sombre entouré de deux êtres de lumière.

Combattre et mourir

La bataille du ciel qui oppose les forces d’Ogotaï et les alliés de Kriss est l’occasion pour Grzegorz Rosinski de mettre en scène la plus ambitieuse scène de combat de la série. La complexité des vaisseaux volants, le souffle épique de cette rencontre aérienne, le grand nombre de protagonistes, tout concourt à la réalisation d’une scène de légende.

Si on prend le temps de s’attarder sur chaque individu, on voit sur ces images prises au moment de l’assaut que chacun des combattants, qu’il soit Chaam ou Xinjin, joue son propre rôle. Il y a celui qui s’accroche à une corde, celui qui saute vers le combat, ceux qui se battent au corps à corps et ceux qui tirent à l’arc. Il y a déjà des morts, frappés par une flèche ou en train de tomber dans le vide. A gauche, un homme court vers un camarade qui a besoin d’aide, sans voir qu’un ennemi s’apprête à lui tomber dessus. A droite, un Chaam peut-être maladroit semble s’accrocher à sa corde en se demandant comment il va faire pour remonter ! A moins qu’il ne soit en train de jouer à Tarzan, avec sa liane. Les corps et les cordes se mêlent en un chaos furieux et létal.

Si on s’attarde à nouveau sur cette scène, mais en occultant cette fois-ci le terrible combat, on peut dans un premier temps se dire que les deux vaisseaux sont sensiblement identiques. Ce n’est pourtant pas complètement le cas.

Il est vrai que l’amas de ballons qui permet de faire voler les bateaux paraît assez semblable, notamment lorsqu’on comprend qu’il est à la fois la grande force et la terrible faiblesse de ces vaisseaux. Mais en dehors de la couleur de la coque et des voiles, assez symboliques avec la colère du rouge chez Ogotaï et la quiétude du bleu chez les Xinjins, on peut voir quelques différences intéressantes.

Si la course à l’armement semble avoir été assez parallèle entre les deux groupes ennemis, quelques détails montrent que les objectifs des deux camps diffèrent. Ainsi, avec ses grandes voiles placées à la poupe, à bâbord et à tribord, et bien sûr à l’avant du vaisseau, le navire Xinjin semble mieux équipé pour la navigation et pour la vitesse. Pour la fuite ?
De son côté le navire Chaam, dont la voilure paraît plus légère mais sûrement très maniable, est équipé de part et d’autre de rampes qui semblent destinées à faciliter l’abordage. Cela lui donne un aspect plus massif, plus agressif.

Reparlons un peu des couleurs, également. Il est bien sûr très habituel que chaque camp affiche son drapeau. Mais la mise en couleur des vaisseaux répond là aussi à des objectifs différents. Chez les Chaams, le logo rouge et noir se veut agressif, dissuasif, flippant. On est dans une logique de guerre, avec l’idée que la peur doit agiter et affaiblir l’adversaire. Pas question de se cacher quand on est un disciple d’Ogotaï. Chez les Xinjins, c’est différent. La coque du navire a été peinte en bleu. Reprenant un principe de défense passive très présent dans la nature — et dans l’aviation de nos jours — le bateau est peint de la couleur du ciel, ce qui le rend nettement plus discret, vu du sol. De nombreux oiseaux et poissons utilisent ce subterfuge pour être moins visibles. Plus clair sur le dessous, plus foncé sur le dessus, afin de se fondre au mieux dans son environnement.

L’autre différence principale est aussi la plus visible. A l’avant des vaisseaux, chaque demi-dieu a pris soin d’afficher son logo personnel. Thorgal s’efforce à plusieurs reprises de nous indiquer qu’il connaît ces symboles, qu’il les a déjà vus. Et c’est vrai. Nous aussi, nous les connaissons. Il suffit de feuilleter les pages de « L’enfant des étoiles » ou d’aller dessiner sur le sable avec Jolan dans « Alinoë ».

Le lecteur averti peut reconnaître ces symboles. Puisque « Le pays Qâ » n’est finalement qu’un passionnant album de voyage qui emmène nos héros à l’autre bout du monde, on n’en saura pas plus. Mais l’envie de comprendre et de savoir devient encore plus énorme, pour celui ou celle qui a décodé le mystère des voiles ou celui de la déesse sans nom. La suite ! Vite !